La toma de partido esta basado en usar el diafragma más cerrado que da la cámara (f:22) con tiempos de exposición largos, 30 y 45 minutos. El lugar esta a oscuras y solo se uso la luz de la ampliadora más la luz de seguridad (roja).
domingo, 27 de abril de 2014
domingo, 20 de abril de 2014
2° Instancia
Trabajo Practico 1
Laboratorio
Fotográfico
Pense como idea tomar imágenes que
me remitieran a la luz de la ampliadora, mi toma de partido, inspirado
en HIroshi
Sugimoto, es utilizar un diafragma cerrado (f22) con tiempos de exposición
largos (30´) utilizando la luz de la ampliadora y la luz que emite el monitor
de mi computadora, casi a oscuras, logrando que toda la imagen me quede en foco
y con detalle. Utilice una película de cine X treme 400 ultrafine. Me resultó
interesante el resultado y muy diferente a las imágenes tomadas anteriormente. Use una cámara analógica Pentax K1000. Revelado manual.
Breve reseña
de la 2° teórica de Gabriel Valansi,
y mi reflexión llevada al trabajo
práctico.
Basándose en
el primer trabajo práctico de "Lugar"
se realizó una recorrida por algunos fotógrafos analizando alguna de sus
imágenes teniendo en cuenta toma de partido, miradas, encuadres, composición y
técnicas, llegando a lograr imágenes con características que perduraran en el
tiempo. Adams, fotógrafo, a los
14 años junto a sus padres viaja al Parque de Yosemite llevando una Kodak Box
Brownie y tiene su primer contacto con la fotografía y la naturaleza. Sus
imágenes eran en blanco y negro, manejaba el juego de luces y sombras. En sus
comienzos fotografiaba paisajes. Crea junto a otros fotógrafos, entre ellos Strand,
Imohen, Weston y otros el Grupo que se llamo f/64, utilizaban diafragmas cerrados (64) obteniendo así negativos
con mayor definición y alto realismo. Toda la imagen estaba en foco. Gustaba
por los lentes angulares. Creador del Sistema de Zonas, método fotográfico que
lo haría mundialmente famoso, basada en una escala de grises, para obtener
fotografías lo más cercanas a la realidad. Richard Misrach, fotógrafo que
introdujo el color de gran formato en la fotografía por la década del 70. En su
inicio tiene una gran fascinación por el desierto como lugar mágico donde la
luz, la soledad y el silencio se funden en un equilibrio seductor. Tanto Ansel Adams
como Richard Misrach comparte el gusto por la naturaleza y el uso de
cámaras de gran formato (8x10 pulgadas) para plasmar toda esa inmensidad con la
máxima información y detalle, con la diferencia que Adams trabajaba en blanco
y negro y Misrach en color. Mientras que en Adams es una naturaleza
idealizada, en Misrach el desierto se muestra tal como es, modificado por una
civilización del siglo XX, dejando su sello en forma de gasolineras, luces de
neón, etc. Misrach centra su atención en los efectos de las pruebas
militares del ejército estadounidense en el desierto, influenciado por su parte
emocional. Tiene sumo cuidado en el uso de la luz, la estructura y la
composición. Edward Weston, cofundador
del grupo f/64, usaba cámaras de
gran formato y en blanco y negro. Comenzó haciendo retratos y gustaba de la
fotografía pictorialista, hasta que pasa a la fotografía abstracta. Entre sus
fotos sobre naturaleza se destaca las tomadas en el Ocean Dunes, considerándolo como esencial para obtener grandes contrastes entre luz y
sombra. A diferencia de Misrach, Edward recorta el paisaje. Josef
Sudek, fotógrafo con estilo pictorialista, prestó servicio militar
durante la primera guerra mundial y sufre la amputación del brazo derecho a
causa de una granada. Se dedico a realizar retratos de veterano de la guerra
que quedaron discapacitados. Fotografió la naturaleza a través de los vidrios, fotografiando
desde el interior el exterior. Aporta a la fotografía otra mirada sobre la
naturaleza. Walker Evans, comienza fotografiando la ciudad de Nueva York,
progenitor de la tradición documental en la fotografía Americana, veía el
presente como si fuera el pasado y traducía el conocimiento y la visión en un
arte perdurable. Gustaba por la cultura Americana. Captura a las personas en
una absoluta desconexión sujeto/fotógrafo. Evans encuentra en la mujer vieja a
la gasolinera abandonada, en el hombre de rostro deslucido el cartel raído del
cine. Sus imágenes son retrato de la
democracia estadounidense donde todos son uno mismo, uniformados por un medio
de transporte común, sujetos sin pose ni mecanismos de defensa, no advirtiendo la
obturación de la cámara. Es una tipología de rostros acerados que recuerdan a
las decadentes estructuras capturadas por Bernd y Hilla Becher y su catálogo
cuasi-sociológico de estructuras abandonadas. Incursiona en la Polaroid.
Berenice Abbott, fotógrafa documentalista influenciada por el surrealista Man Ray. A través de él conoció al fotógrafo Eugène Atget, con quien trabajó
intensamente. Gustaba por el paisaje Urbano de Nueva York. De los 40 a los 60
años se dedica a la publicación de libros y al estudio fotográfico sobre
diferentes y diversos fenómenos físicos.
Eugène Atget, fotógrafa, se dedica a sacar retratos de
personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida:
una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a
principios del siglo XX. Sus fotografías tienen gran fuerza de
sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de
las ataduras de otros movimientos artísticos. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre
todo en las figuras reflejadas en las vidrieras, una visión que sugiere algo
fantasmal, lo que sería el "objeto encontrado". su capacidad
intuitiva para registrar los objetos familiares y aislarlos de sus relaciones
lógicas con el entorno, descontextualizando y desactivando sus funciones
cotidianas, y dándoles así un nuevo carácter significante.
William Eggleston, sus primeros trabajos fueron
influenciados por Robert Frank. Empezó trabajando en blanco y negro y luego
experimentó con la fotografía color. Descubre
el proceso conocido como Dye-transfer
y empieza a aplicarlos en sus trabajos, logrando colores más vivos.
Franz e HiIlla Becher, fotógrafos alemanes que trabajan
juntos y son conocidos por su extensa serie de imágenes fotográficas o tipologías
de edificios y construcciones industriales. Tomaban imágenes de estos edificios
según su similitud en la forma del diseño. Usaban cámara de gran formato 8x10
pulgadas, fotografiaron estos edificios desde una serie de ángulos diferentes,
pero siempre con un punto de vista objetivo. solo fotografiaban en días
nublados, con el fin de evitar las sombras y en general por la mañana durante
las estaciones de primavera y otoño. Objetos incluidos, graneros, torres de
agua, torres de refrigeración, elevadores de granos, carboneras, hornos de
coque, refinerías de petróleo, altos hornos, tanques de gas, silos de
almacenamiento y almacenes. Las imágenes de las estructuras de funciones
similares son mostrados al lado del otro para invitar a los espectadores a
comparar sus formas y diseños basados en la función, idiosincrasias
regionales, o la edad de las estructuras. Los Becher utilizaron el
término "tipología" para
describir estos conjuntos ordenados de fotografías. Candida Hoffer, fotógrafa
que se caracterizaba por tomar imágenes de interiores arquitectónicos sin la
presencia humana. Dejó de lado la presencia humana al tomar conciencia de la
intromisión que suponía entrar en esas vidas ajenas con su cámara, orientando
desde entonces su mirada hacia la arquitectura y los espacios generados en los
interiores de edificios todos de uso público o semipúblico, bibliotecas,
museos, iglesias, archivos, palacios o bancos. Fotografías austeras que
incluyen una lectura compleja y una reflexión acerca de los modelos culturales
y sociales que los han originado. Al mismo tiempo, como ha dicho la propia artista
busca “provocar una experiencia
tridimensional en la condición bidimensional de las imágenes, de sus planos, de
sus formas geométricas y de sus colores”. "Un espacio no es más que una determinada luz en un momento
preciso”. Thomas Demand, es conocido por hacer las fotografías de modelos
en tres dimensiones que se parecen a las imágenes reales de las habitaciones y
otros espacios, suelen ser sitios
cargados de significados sociales y políticos. Él se describe así mismo no como
fotógrafo, sino como un artista conceptual para quien la fotografía es una
parte intrínseca de su proceso creativo. Thomas Ruff, fotografía retratos
enmarcado como en una foto de pasaporte, por lo general se muestra con
expresiones sin emociones, de perfil o de frente, sobre un fondo liso. Trabajaba formatos de
hasta 210cm × 165 cm. Combina espejos para producir imágenes compuestas. Realizó
una serie de fotografías alteradas digitalmente de la arquitectura modernista
de Mies van der Rohe. Andreas
Gurski, fotógrafo conocido por sus fotografías enormes de arquitectura
y paisaje en color, a menudo empleando un punto de vista elevado. Es uno de los
fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea. El espacio lo ve de una
manera abstracta. Quizás para intentar entender no solo que estamos viviendo en
cierto edificio o en un determinado lugar, sino para darnos cuenta de que
estamos viviendo en un planeta que está viajando a una velocidad enorme por del
universo. Representa con frecuencia lugares de intercambio humano vinculados a
la sociedad tardo-capitalista, espacios públicos como aeropuertos, estaciones,
discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, plantas industriales, oficinas. Su
obra se ha puesto en relación con el discurso de la posmodernidad; realiza un
agudo análisis del comportamiento social estandarizado, producto de un mundo
transformado por la alta tecnología y la globalización. Es frecuente que
utilice la serialización. Stephen Shore, es un fotógrafo
estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y
objetos sobre los Estados Unidos. Fue pionero en el uso de la fotografía en
color. Influenciado por el libro American
Photographs de Walker Evans. Joel Sternfeld, conocido por su gran
formato documental de imágenes de la Estados Unidos y establece el color a la
fotografía como medio artístico. El color es un elemento importante en sus
fotografías. La sensación es que “pasó
por ahí”, como un transeúnte cualquiera, malezas crecidas en las vías
abandonadas del ferrocarril, una casa que se incendia: fuego naranja en
consonancia con calabazas desparramadas, plantas secas sobresaliendo del cúmulo
de nieve. Una zona de la ciudad, una parte del paisaje que parece de viaje
donde los ojos se sitúan en una escala lejana para elevarse y hacer sentir pequeña la existencia. Pequeña
pero no sombría, aunque en los distintos momentos pareciera explorar la
diferencia entre la melancolía y la tristeza. Abelardo Morell, conocido
en la comunidad fotográfica por la creación de imágenes utilizando la Cámara Oscura
en varios lugares alrededor del mundo . Con el paso del tiempo llevo este
proyecto a muchos lugares del mundo. Una de las satisfacciones que obtuve
haciendo éstas imágenes me llegó al ver el extraño y a la vez natural matrimonio
entre el exterior y el interior. Vera Lutter, la obra más destacada es
la utilización de una cámara oscura del tamaño de una habitación para capturar
imágenes de gran tamaño en blanco y negro. La temática de sus imágenes es muy
variable entre los centros urbanos, paisajes industriales, fábricas abandonadas
y los lugares de tránsito, tales como astilleros, aeropuertos y estaciones de
tren. El artista también trabaja con varias formas de medios digitales,
incluyendo la instalación de proyección de imágenes, películas y grabaciones de
sonido. Se centra en la luz y su capacidad para crear nociones de tiempo y el
movimiento dentro de una imagen tangible. HIroshi Sugimoto, sus fotografías en
blanco y negro combinan el riguroso tratamiento conceptual con un dominio de la
técnica fotográfica. Su vida profesional transcurre entre Nueva York y Tokyo.
Entre sus principales influencias artísticas se encuentran el Surrealismo, el Dadaísmo y en especial
una conexión con la obra y la filosofía
de Marcel Duchamp. En su serie “Portraits” (1999) selecciona cuadros
barrocos y esculturas de museos de cera y las reinterpreta mediante un
elaborado proceso de iluminación que reproduce las condiciones lumínicas de la
época en que fueron realizados. Encuentra en la cámara un vehículo para captar
al “sujeto” en su esencia, con independencia de su origen (material o natural).
Estudia cuidadosamente los efectos de la luz para plasmar en el instante
preciso la emoción concreta. Suele utilizar diafragmas cerrados con tiempos de
exposición largos.
jueves, 10 de abril de 2014
Breve reseña de la
teórica de Gabriel Valansi:
Sobre la Expulsión
del paraíso, la traición del ojo, y lo que mantiene las estrellas separadas
y mi reflexión llevada
a los trabajos prácticos.
Durante la teórica se cito al fotógrafo Paul Strand, creador del uso de la abstracción en su trabajo fotográfico, comenzado a desconstruir el
espacio y reducir en formas puras al sujeto hasta hacerlo casi irreconocible,
llegando a lo que se le llamó "fotografía directa" pasando de la
fotografía pictorialista a lo "puro", a lo directo. Esta elección
genera nuevos encuadres, el abandono de la manipulación y la nitidez de la
imagen. Llega asi a ser uno de los fundadores de la fotografía documental
moderna, encontrando la forma más adecuada para representar la realidad. Su
aproximación a la ciencia como concepto de que un investigador usa las técnicas
y materiales para desentrañar la verdad y el sentido del mundo en el que vive,
entregando los resultados de sus investigaciones. No manipulaba sus negativos
ni modificaba ninguna parte del proceso entre la activación del obturador y el
montaje de la imagen. Se orienta a la fotografía humanista lejos de la búsqueda
estética pero si el de poder revelar el núcleo de su humanidad. Strand dijo: “Mira a las cosas que te rodean, al mundo
inmediato que te circunda. Si estás vivo significará algo para ti y si te
importa la fotografía y sabes usarla buscarás crear imágenes llenas de sentido.
Si dejas que la visión de otros se interponga entre el mundo y tu forma de
mirarlo, lograrás esa cosa vulgar y sin valor, una foto pictorialista.”
Duane Michals, fotógrafo creador de la fotografía conceptual y filosófica recreador
de sus pensamientos confiando en su intuición. Llegar al concepto es lo más
difícil, fotografiarlo es lo fácil. " La Condición Humana", cuando el
hombre en el metro se convierte en estrella, es absolutamente real, lo que es
mágico en todo esto es que desde situaciones ordinarias puedes hacer que algo
extraordinario suceda...
Sally Mann, sus fotografías eran consideradas como
"naturales a los ojos de una madre que ha visto a sus hijos en cada
estado." , considerados momentos espontáneos. Henri Cartier-Bresson,
capturaba momento efímeros, "El instante decisivo". Tampoco
manipulaba sus negativos. Uno de sus libros "Images a la Sauvette"
que es todo un legado y compendio del significado, técnica y utilidad
fotográfica. También se cito a Robert Frank y su obra "The
Americans".
Sobre el primer trabajo práctico (laboratorio fotográfico)
en primera instancia tomé imágenes sobre situaciones y objetos que hay en un
laboratorio, mi objetivos además del encuadre y composición, es la iluminación
de estas imágenes, sabiendo que un laboratorio analógico requiere oscuridad o
luz de seguridad. En principio con el lugar a oscura iluminaba con dos
linternas más la luz de la ampliadora, fue excesiva, en algunas se leía como
flash. De la primera corrección mi primer desafío es lograr que estas imágenes
recreen ese espacio oscuro solo usando la luz de la ampliadora o no.
En el trabajo de taller elegí como un lugar en la FADU, la
escalera de emergencia. Un lugar en el que no conocía o si alguna vez la use no
preste mucha atención. En primera instancia tome 5 imágenes que me resultaban
representativas. Después de la primera corrección volví al lugar a tomar nuevas
imágenes que me fuesen más significativas, con otra lectura, intentando
guionarlas. La tercer instancia se trataba de mirar el lugar e imaginar estar
en otro lugar...y me llevo por unas horas a sentir distinto, ya no estaba en
una escalera de emergencia. Una vez tomada las imágenes tome mi tiempo para
seleccionarlas. Me resultó una muy interesante consigna. "La mirada interior nos lleva a un verdadero conocimiento, nos lleva a la verdad"
Cita:
"He aquí el más profundo secreto que nadie conoce (he
aquí la raíz y el brote del brote y el cielo del cielo de un árbol llamado
vida; que crece más alto de lo que un alma puede esperar o una mente puede
ocultar) y éste es el prodigio que mantiene a las estrellas separadas". Edward Estlin Cummings
DAV1 Cátedra: Campos / Trilnick
domingo, 6 de abril de 2014
miércoles, 2 de abril de 2014
Imagen de mi autoría, tomada con una cámara estenopeica hecha en cartón con
fuelle (también de mi autoría). Sobre papel fotográfico RC con un estenopo de 0.45mm
y un tiro de 100mm, con una exposición de 3 minutos. Tomada en Plaza Flores,
salida boca de subte línea A. El orificio o estenopo actúa como un filtro, que
selecciona un haz pequeño de rayos al que le permite continuar su trayectoria
hasta el plano de registro (papel RC) formando sobre éste un círculo. Los haces
de luz viajan en línea recta así que la imagen se proyectará invertida de
arriba hacia abajo y de izquierda a derecha, obteniendo una imagen en negativo
que luego se positiva. Al no tener lente no existe foco crítico, no hablamos de
profundidad de campo, en general toda la imagen tendrá un foco aceptable. En la
Imagen se puede observar una composición de registro de luces y sombras, brillo
de metales, el movimiento se registra por la incidencia de la luz sobre ellos...y
la luz...dibujo esta imagen.
DAV1 Cátedra: Campos / Trilnick
DAV1 Cátedra: Campos / Trilnick
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