Procesando Imagenes.
jueves, 29 de mayo de 2014
lunes, 26 de mayo de 2014
Aparece Laura de los cuentos....un mundo de ensueños al que puede protagonizar muchas historias...
Uso película ilford Delta 3200 expuesto a 800 y revelado a 800, dándole a la imagen una variedad de granos interesantes....
Adjunto una parte de la toma de video en el que Laura interactua con el material flexible.
La primer foto es el retrato.
Uso película ilford Delta 3200 expuesto a 800 y revelado a 800, dándole a la imagen una variedad de granos interesantes....
Adjunto una parte de la toma de video en el que Laura interactua con el material flexible.
La primer foto es el retrato.
lunes, 19 de mayo de 2014
El primer encuentro con Laura Desmery fue en una librería en el barrio de Palermo en donde vive. Cuando entro a la librería, Laura estaba sentada en un sillón mirando un libro, la expresión de su cara y la forma en la que estaba sentada fue lo que me inspira a retratarla. En este caso use infinito negro, luz directa de pantalla y el velador.
miércoles, 14 de mayo de 2014
Retrato de mi infancia
Es una imagen tomada por un fotógrafo en mi escuela primaria "Alejandro Aguado" cuando cursaba sala de 5 años. Las fotos solo se sacaban en eventos especiales, no era común hacer fotos todo los días, así que uno ya sabía que al terminar año escolar nos sacaban una foto individual y otra grupal que te hacia un fotógrafo contratado por la escuela. Fotografiada como era es ese momento, una nena de edad inocente.
Es una imagen tomada por un fotógrafo en mi escuela primaria "Alejandro Aguado" cuando cursaba sala de 5 años. Las fotos solo se sacaban en eventos especiales, no era común hacer fotos todo los días, así que uno ya sabía que al terminar año escolar nos sacaban una foto individual y otra grupal que te hacia un fotógrafo contratado por la escuela. Fotografiada como era es ese momento, una nena de edad inocente.
Después de conversar y hacer fotos con mi compañera Laura Desmery, no encontraba algo que me llevara a retratarla, entonces decido desplegar las fotos de su facebook como damero y haciendo una mirada de barrido llego a una imagen en la que observo su mirada, sus rasgos, su sonrisa. Este es mi punto de partida. Basándome en su gusto por los cuentos ilustrados, voy a fotografiar a Laura de un cuento.
Breve reseña
de la 4° teórica de Gabriel Valansi
El otro
El retrato, la
mirada, intensionalidad, identificar a la persona física, su personalidad, una
imágen que nos cuenta algo, somos como fuimos mirados..."
Nadar,
si de algo presumían sus retratos era de carecer de retoques y
elementos supérfluos (en contraposición a la corriente
pictorialista). Así sus retratados aparecían delante de un fondo neutro,
centrando la atención del espectador en los gestos del sujeto representado. Lo
importante era jugar con la luz y adentrarse en la psicología del personaje. Su mente pionera le
llevó a ingeniar lo que denominó “foto-interviú”, consistente en tomar 21
fotografías al entrevistado (concretamente al científico Eugène Chevreul)
mientras respondía a sus preguntas, consiguiendo con ello un despliegue de gestos
que de algún modo impregnaban la personalidad del personaje. La teoría
fotográfica se aprende en una hora, las primeras nociones de práctica en un
día. Lo que no se aprende es la inteligencia moral de lo que se va a
fotografiar.
Juia Margaret Cameron, los retratos de Cameron tienen un
aspecto flou muy peculiar. Se cree que por azar descubrió una combinación de
elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello
artístico, la búsqueda del efecto
flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que
le da el carácter poético a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de
los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX. Trabajaba
convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al
vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas
dactilares) y apasionada en sus creaciones. Sus fotografías tienen algo de
religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael.
Despreciaba la técnica, y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las
placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas o
arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la
realidad de las imágenes captadas el formato de las placas húmedas utilizadas
por ella (20x25 y 30x40 cm) y estaban descuidadas, con las placas manchadas o
arañadas.
Lewis
Caroll, y El Pais de las Maravillas”
Edward Weston, dotado de un gran sentido de la
composición, los objetos de Weston, ya sean conchas, pimientos o un excusado,
incluso algunos de sus desnudos, responden a su estado de ánimo, y se llenan de
opulencia y vigorosidad al acercarse a ellos. Escudriña sus formas.
Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición. Muy al contrario se reafirman en su volumen, en sus recovecos más ocultos, en la materia de la que están hechos. La textura pasa a ser otro personaje de la foto. Pero va mas allá.
Sugieren otra cosa. Un pimiento pasa a ser un músculo retorcido. Una alcachofa una celosía. Una hoja de col es una catarata de agua congelada. Un cuerpo una escultura de mármol. Es un acercamiento directo, realista lleno de intuición y pureza, que desborda sensualidad, incluso, lujuria.
Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición. Muy al contrario se reafirman en su volumen, en sus recovecos más ocultos, en la materia de la que están hechos. La textura pasa a ser otro personaje de la foto. Pero va mas allá.
Sugieren otra cosa. Un pimiento pasa a ser un músculo retorcido. Una alcachofa una celosía. Una hoja de col es una catarata de agua congelada. Un cuerpo una escultura de mármol. Es un acercamiento directo, realista lleno de intuición y pureza, que desborda sensualidad, incluso, lujuria.
Ródchenko, se hace famoso en los debates artísticos, de
donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se
convierte en un ingeniero visual. En el campo de la fotografía Ródchenko
fue también célebre. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición,
dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta
forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la
vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social.
Formalmente, las fotografías solían ser o planos cenitales o planos nadir,
planos opuestos totalmente al Pictorialismo
y que impactaban al espectador, causándole dificultades en reconocer el objeto
fotografiado. Fue así como Ródchenko se propuso liberar a la fotografía de
todas las convenciones y puntos de vista comunes en la época, lo que le convirtió
en uno de los más importantes pioneros del constructivismo fotográfico. "Si se
desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle
los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente
inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser
fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación
completa del objeto".
Man Ray,
hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de
personalidades de la cultura.
August Sander, el trabajo de Sander incluyen fotografías de
paisajes, naturaleza, arquitectura, y fotografías de la calle, pero es
especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra la serie Hombres del siglo XX. En esta
serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones:
Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y
el pasado, (los sin hogar, veteranos de guerra..).
Franz e Illa Becher, sus
fotos sobre arquitectura como retratos.
Bruce Davidson, sus
fotografías tratan sobre los diferentes grupos sociales y algunos trabajos,
como el referido a Harlema.
Yousuf Karsh, a fotografiado
muchos personajes famosos del s. XX..
Richard Avedon, el fotógrafo neoyorquino explica: “El fondo
blanco aísla al sujeto de sí mismo y te permite explorar la geografía de su
cara; el continente inexplorado en el rostro humano.” Esta particularidad
formal brinda un sello característico a las fotografías de Avedon. “Él
intensificaba la presencia eliminando lo que le rodea. Los retratos son contra
un fondo blanco de modo que la persona -la personalidad- abarcara todo.
¿Significa que el sujeto está solo en el mundo? Sí y no. Solitario en su mundo,
pero totalmente presente en el nuestro.” , “El espacio blanco y neutro es particularmente
trascendente, precisamente porque elimina las trivialidades del día a día y
subraya lo eterno más que lo temporal. Es una manera de transformar la
realidad.” Más de un fotógrafo ha caído en la trampa de creer que es muy
sencillo el uso de un fondo neutro, con resultados decepcionantes. Esto se debe
en parte a que el fondo blanco era solo un ingrediente en la mezcla Avedon.
Nan Goldin, renovadora de la fotografía documental y
narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80. fotógrafa empieza a
trabajar con películas de color y a emplear luces de flash. como «fotógrafa documentalista».
Desde los años setenta, Nan Goldin
comenzó a registrar con su cámara la trepidante cotidianidad que compartía con
su grupo de amigos: alcohol, drogas y formas muy naturales de la desnudez y la
dependencia.
Diane Arbus, en los años
cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como
Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con
la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa
época, también, se divorcia de Allan. La década del sesenta fue la más
productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los
personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y
prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer
al público mayoritario. Continúa trabajando para revistas importantes
retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges.
Larry Clark, que comenzó
trabajando con fotografías en blanco y negro, como fotógrafo documentalista y
retratista donde plasmó la actividad de los jóvenes mediante imágenes
violentas, sórdidas y con una carga sexual ineludible, para, a los 50 años
pasarse al cine con una temática similar. Soy
muy sensible. Siempre he sentido que mi obra procedía del gran dolor y de la
ira de aquel periodo de mi vida, de la adolescencia. Y de la vergüenza. No de
la culpabilidad, sino de la vergüenza, de la ira y del dolor.
Cindy Sherman, al girar la cámara hacia sí misma. A pesar de que la mayoría de sus fotografías son
imágenes de ella , sin embargo , estas fotografías no son autorretratos.
Sherman se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del
mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A
través de una serie de diferentes obras , Sherman ha planteado difíciles e
importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la
sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte .
Andres Serrano, la obra de Serrano como fotógrafo suele ser
en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas
convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de
temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku
Klux Klan, fotos de
cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.
Iroshi Sugimoto, el
artista japonés fotografía figuras de cera en su serie Dioramas. A diferencia
de las primeras representaciones que realizó de dioramas expuestos en museos de
historia natural y de cuadros de personajes famosos exhibidos en museos de
cera, las últimas imágenes están realizadas a escala natural, son retratos en
blanco y negro de personajes históricos, tales como Enrique VIII, Isabel I, o
Voltaire, fotografiados con una dramática iluminación ante un fondo negro. Utilizando
una escala totalmente nueva con respecto a su obra, Sugimoto aisló las efigies
de cera de las escenas representadas en el museo de cera Madame Tussaud de
Londres, eligió un plano que mostraba tres cuartos de la figura y las iluminó
con el fin de crear retratos inquietantes que evocan la obra de Rembrandt. Sus
representaciones pictóricas están repletas de detalles y rememoran las
distintas fuentes pictóricas, tales como Hans Holbein, Anthony van Dyck, y
Jacques Louis David, de las cuales se extrajeron originariamente las figuras de
cera. Sugimoto hace resurgir un diálogo ya existente desde la invención de la
fotografía: la relación entre la pintura y la técnica de la reproducción
mecánica.
Rineke Dijkstra, su obra supone una nueva representación del ser
humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva
interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que
documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y
puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia
o la maternidad.
Loretta Lux, es una
fotógrafa (cuyo origen artístico era la pintura) alemana, nacida en 1969 en
Dresde (antigua Alemania Oriental) y que vive y trabaja actualmente en Mónaco.
Es conocida por sus retratos surrealistas de niños. Influenciada por la
fotografía victoriana y el manierismo, logra crear escenarios limpios y puros,
llenos de luz y con colores surrealistas, logrando así, a través de todos los
elementos que la componen, una fotografía siniestra en donde se simulan niños inocentes
y sin un halo angelical. La
desproporción en el cuerpo, el paisaje y la mirada perdida provoca una especie
de sobresalto y nos invita a dejar nuestra atención en la fotografía, como si
quisiéramos descifrar la realidad dentro de la imagen. Para lograr sus
composiciones combina fotografía, pintura y manipulación digital, empleando de
2 a 3 meses en cada fotografía.
Manuel Esclusa, su
trabajo fotográfico se ha dedicado en gran medida a la fotografía de modas
aunque desde 1979 ha estado investigando en las condiciones de luz nocturna, la
ciudad en la noche y aspectos en niveles de escasa iluminación.
Nancy Burson, conocida por su trabajo
pionero en transformar las tecnologías que mejoran la edad del rostro humano y
todavía permiten a los funcionarios encargados de hacer cumplir la ley para
localizar a menores desaparecidos y adultos. Su máquina
raza humana , que permite a las personas ven a sí
mismos como una raza diferente, se utiliza en todo el mundo como una
herramienta de la diversidad educativa que ofrece a los espectadores con la
profunda experiencia visual de ser otra raza.
David Hockney, Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Breve reseña de la 3° teórica de Gabriel Valansi
Sobre
el Aleph, La Vista del Punto y La primer Gran derrota de Dios
Una teórica
que me llevo a hacer un paralelismo en tres películas donde desde miradas distintas
nos lleva a vivir las más grandes injusticias y atrocidades sobre el holocausto. La primera, El último tren a Auschwitz,
del director alemán Joseph Vilsmaier, una historia basada en seis horrorosos
días que dura el trayecto hasta el campo de concentración de Auschwitz en el que 688 personas tendrán que soportar
indecibles sufrimientos: el calor, el hambre, la sed, la desesperación, el
pánico, desde la mirada de un matrimonio con dos hijos, una pareja de
novios y un matrimonio de ancianos artistas.... La vida es Bella, una fábula de
Roberto Benigni, un matrimonio con un hijo que viven en un campo de
concentración en el que su padre hace todo lo posible para que su hijo crea que
todo es un juego, y por último El niño con el pijama de rayas de John Boyne,
donde la acción se narra desde la inocente óptica de Bruno, hijo de un oficial
de la Schutzstaffel nazi que se muda junto a su familia a un lugar llamado
"Auchwitiz" que no es sino el campo de exterminio de Auschwitz. Bruno
hace amistad con un niño judío llamado Shmuel que vive al otro lado del
perímetro alambrado y que, como otras
personas en ese lugar, viste un "pijama de rayas". Mucho de los
encuadres, puesta en escena, tomas, etc., tienen una conexión directa con las historias de los fotógrafos Henryk Ross. Mendel Grossman y Elie Wiesel.
Henryk Ross, durante
el holocausto judío, Henryk Ross fue un fotógrafo residente en un gueto. Su
trabajo consistía en tomar fotos para la propaganda de los productos que ahí se
manufacturaban, además de inmortalizar el día a día de la zona. De forma
secreta, utilizó una cámara fotográfica, era uno de los pocos que tenían acceso
a ellas, y el equipo de revelado para estampar los horrores que se producían en
el gueto de Lodz. Ross tomó en el gueto terribles imágenes de ejecuciones, de
gente muriendo de hambre, expresiones de angustia y niños que cavan en el suelo
para extraer patatas podridas y otros alimentos que habían sido enterrados. Tras
la liberación del gueto, Ross, que tuvo la enorme suerte de formar parte del 3%
de supervivientes, desenterró la caja con sus fotos y negativos. Muchas de
estas tomas conservan hoy los efectos de su cautiverio, que permitió
paradójicamente su exhibición a los ojos del mundo.
Mendel Grossman, Los nazis lo puso en el gueto de
Lodz en 1939; allí encontró
trabajo como fotógrafo, hacer tarjetas de identificación y documentación de la
obra que sus compañeros reclusos hicieron en el gueto. El Gobierno
Ghetto cree que estas fotografías podrían convencer a los nazis de tratarlos
mejor porque eran diligentes. Grossman también
se escondió una cámara en su abrigo durante el día y tomó fotografías de las
condiciones de vida del gueto. Él tomó estas
fotografías con gran riesgo para su vida, no sólo porque la Gestapo sospechaba de
él, sino también a causa de su débil corazón. Algunas de sus
fotografías asistido a la gente a identificar las tumbas de sus seres queridos. Negativos de M.
Grossman son ahora la documentación preparada sobre el Holocausto. Grossman
distribuido muchas de sus fotografías; aquellos a los
que no pudo distribuir, él trató de ocultar. En agosto de
1944, poco antes de la liquidación final del gueto Litzmannstadt, escondió casi 10.000
negativos, que muestran escenas de la Ghetto.
Elie Wiesel, Sobrevivió a
los campos de concentración de Auschwitz y Buchenwald, siendo liberado por las
fuerzas aliada, Con la intención
de contribuir a evitar que en el mundo se vuelva a repetir una situación de
barbarie como la producida en los campos de concentración nazis, se dedicó con
fervor a practicar el ejercicio de la memoria, como re afirmación de la vida.
Alfred Stieglitz, fue
uno de los pioneros de la fotografía artística y no sólo porque explotó en el
campo de la imagen fotográfica los mismos recursos plásticos del lenguaje
pictórico, como la composición, la gradación de luz o los efectos de
perspectiva a través de la profundidad de campo, sino porque en sus retratos,
muy famosos algunos de ellos dedicados a la mujer especialmente, aplicó la fragmentación
de detalles aislados del personaje, centrándose a veces sólo en las manos, en
el rostro, en ocasiones solamente en las piernas, en el torso, etc.
Lewis Hine, a la hora de
realizar fotografías (él las realizaba con fines sociológicos) se veía antes
como figura artística que como científico. Muy preocupado por el bienestar de
los menos favorecidos, registró la llegada de los inmigrantes a la Isla
de Ellis, sus
asentamientos en insalubres viviendas, sus trabajos en fábricas y tiendas y a
sus hijos jugando en los cubos de basura. Hine comprendía la subjetividad de
sus fotografías pero también creía que tenían un enorme poder de crítica,
llegando a describir sus fotografías como "fotointerpretaciones".
Paul Strand, el momento fotográfico de este último es un
instante, una fracción de segundo, y él está al acecho de ese momento como un
animal salvaje. Para Strand, el momento fotográfico es un momento biográfico o
histórico, cuya duración no se mide idealmente en segundos, sino en su relación
con toda una vida. Strand no está a la caza y captura del instante, sino que
hace que surja el momento del mismo modo en que uno podría incitar a la
narración de un cuento. Captar
la vida diaria de la gente común.
Eddie Adams, Fue un
fotoperiodista de guerra, ganador del premio
Pulitzer en 1969 por una instantánea de la ejecución en Saigón. Adams fue fotógrafo de combate en la
Marina durante la Guerra de Corea y se convirtió en uno de los
fotoperiodistas más importantes de EEUU, fue reconocido por su talento,
destacándose en retratos de famosos y políticos. Se dice que fueron tres
fotografos que presenciaron la ejecución, con distintas miradas y encuadres se
obtienen lecturas diferentes.
Roger Cremens, En 2009 Roger ganó un premio World Press Foto. En la
categoría Arte y entretenimiento que fue galardonado con el primer premio por
un reportaje sobre el comportamiento del turista en Auschwitz-Birkenau, el
antiguo campo de concentración nazi en el sur de Polonia. Su obra ha sido
expuesta en museos nacionales e internacionales y galerías de arte, y ha
formado parte de varios festivales de fotografía. Su obra tiene un fuerte
enfoque histórico y social, haciendo hincapié en la tensión entre los oscuros
capítulos del pasado y la forma en que se recuerdan o revivir en el presente.
La ironía nunca está lejos.
El Aleph de Jorge Luis Borges..." vi el Aleph, desde
todos los puntos, vi en el Aleph la tierra, y en la tierra otra vez el Aleph y
en el Aleph la tierra, vi mi cara y mis vísceras, vi tu cara, y sentí vértigo y
lloré, porque mis ojos habían visto ese objeto secreto y conjetural, cuyo nombre usurpan
los hombres, pero que ningún hombre ha mirado: el inconcebible universo. Sentí
infinita veneración, infinita lástima."
domingo, 11 de mayo de 2014
domingo, 4 de mayo de 2014
Trabajo Practico 1 - FINAL
Represento en 5 imágenes " El misterio que se define entre luz y oscuridad, la búsqueda de
la representación de una imagen sobre papel tras una investigación ardua para
llegar a la imagen deseada. Un Lugar donde el tiempo transcurre sin darnos
cuenta". Inspirado en HIroshi Sugimoto.
Técnica: Use una Cámara Pentax K1000 con película de Cine X treme 400
ultrafine. Con diafragma F22. Ilumine con la luz de la ampliadora
y la luz de seguridad. Uso de Bulbo con disparador manual, los tiempos de exposición fueron entre 20´ y
60´.Film revelado manual Kodak HC110, copias a mano con tecnica de apantallado.
Serie obtenida
cuando no se traba el disparador manual (tripa) y se dispara en pocos segundos,
vi representado muy claro la oscuridad por sobre la luz:
Serie
inspirada en una de las imágenes de la entrega final (Imagen 3). La Imagen 1 y 2 se
repiten como 4 y 5, vi la representación del "Inicio y Final", el concepto
de la vida...
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