Breve reseña de la 2° teórica de Gabriel Valansi,  

y mi reflexión llevada al trabajo práctico.

Basándose en el primer trabajo práctico de "Lugar" se realizó una recorrida por algunos fotógrafos analizando alguna de sus imágenes teniendo en cuenta toma de partido, miradas, encuadres, composición y técnicas, llegando a lograr imágenes con características que perduraran en el tiempo.  Adams, fotógrafo, a los 14 años junto a sus padres viaja al Parque de Yosemite llevando una Kodak Box Brownie y tiene su primer contacto con la fotografía y la naturaleza. Sus imágenes eran en blanco y negro, manejaba el juego de luces y sombras. En sus comienzos fotografiaba paisajes. Crea junto a otros fotógrafos, entre ellos Strand, Imohen, Weston y otros el Grupo que se llamo f/64, utilizaban diafragmas cerrados (64) obteniendo así negativos con mayor definición y alto realismo. Toda la imagen estaba en foco. Gustaba por los lentes angulares. Creador del Sistema de Zonas, método fotográfico que lo haría mundialmente famoso, basada en una escala de grises, para obtener fotografías lo más cercanas a la realidad. Richard Misrach, fotógrafo que introdujo el color de gran formato en la fotografía por la década del 70. En su inicio tiene una gran fascinación por el desierto como lugar mágico donde la luz, la soledad y el silencio se funden en un equilibrio seductor. Tanto  Ansel Adams  como Richard Misrach comparte el gusto por la naturaleza y el uso de cámaras de gran formato (8x10 pulgadas) para plasmar toda esa inmensidad con la máxima información y detalle, con la diferencia que Adams trabajaba en blanco y negro y Misrach en color. Mientras que en Adams es una naturaleza idealizada, en Misrach el desierto se muestra tal como es, modificado por una civilización del siglo XX, dejando su sello en forma de gasolineras, luces de neón, etc. Misrach centra su atención en los efectos de las pruebas militares del ejército estadounidense en el desierto, influenciado por su parte emocional. Tiene sumo cuidado en el uso de la luz, la estructura y la composición.  Edward Weston, cofundador del grupo f/64, usaba cámaras de gran formato y en blanco y negro. Comenzó haciendo retratos y gustaba de la fotografía pictorialista, hasta que pasa a la fotografía abstracta. Entre sus fotos sobre naturaleza se destaca las tomadas en el Ocean Dunes, considerándolo como esencial  para obtener grandes contrastes entre luz y sombra. A diferencia de Misrach, Edward recorta el paisaje. Josef Sudek, fotógrafo con estilo pictorialista, prestó servicio militar durante la primera guerra mundial y sufre la amputación del brazo derecho a causa de una granada. Se dedico a realizar retratos de veterano de la guerra que quedaron discapacitados. Fotografió la naturaleza a través de los vidrios, fotografiando desde el interior el exterior. Aporta a la fotografía otra mirada sobre la naturaleza. Walker Evans, comienza fotografiando la ciudad de Nueva York, progenitor de la tradición documental en la fotografía Americana, veía el presente como si fuera el pasado y traducía el conocimiento y la visión en un arte perdurable. Gustaba por la cultura Americana. Captura a las personas en una absoluta desconexión sujeto/fotógrafo. Evans encuentra en la mujer vieja a la gasolinera abandonada, en el hombre de rostro deslucido el cartel raído del cine. Sus imágenes son  retrato de la democracia estadounidense donde todos son uno mismo, uniformados por un medio de transporte común, sujetos sin pose ni mecanismos de defensa, no advirtiendo la obturación de la cámara. Es una tipología de rostros acerados que recuerdan a las decadentes estructuras capturadas por Bernd y Hilla Becher y su catálogo cuasi-sociológico de estructuras abandonadas. Incursiona en la Polaroid.

Berenice Abbott, fotógrafa documentalista  influenciada por el surrealista Man Ray. A través de él conoció al fotógrafo Eugène Atget, con quien trabajó intensamente. Gustaba por el paisaje Urbano de Nueva York. De los 40 a los 60 años se dedica a la publicación de libros y al estudio fotográfico sobre diferentes y diversos fenómenos físicos.

Eugène Atget, fotógrafa, se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos artísticos. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las vidrieras, una visión que sugiere algo fantasmal, lo que sería el "objeto encontrado". su capacidad intuitiva para registrar los objetos familiares y aislarlos de sus relaciones lógicas con el entorno, descontextualizando y desactivando sus funciones cotidianas, y dándoles así un nuevo carácter significante.

William Eggleston, sus primeros trabajos fueron influenciados por Robert Frank. Empezó trabajando en blanco y negro y luego experimentó con la fotografía color. Descubre  el proceso conocido como Dye-transfer y empieza a aplicarlos en sus trabajos, logrando colores más vivos.

Franz e HiIlla Becher, fotógrafos alemanes que trabajan juntos y son conocidos por su extensa serie de imágenes fotográficas o tipologías de edificios y construcciones industriales. Tomaban imágenes de estos edificios según su similitud en la forma del diseño. Usaban cámara de gran formato 8x10 pulgadas, fotografiaron estos edificios desde una serie de ángulos diferentes, pero siempre con un punto de vista objetivo. solo fotografiaban en días nublados, con el fin de evitar las sombras y en general por la mañana durante las estaciones de primavera y otoño. Objetos incluidos, graneros, torres de agua, torres de refrigeración, elevadores de granos, carboneras, hornos de coque, refinerías de petróleo, altos hornos, tanques de gas, silos de almacenamiento y almacenes. Las imágenes de las estructuras de funciones similares son mostrados al lado del otro para invitar a los espectadores a comparar sus formas y diseños basados ​​en la función, idiosincrasias regionales, o la edad de las estructuras. Los Becher utilizaron el término "tipología" para describir estos conjuntos ordenados de fotografías. Candida Hoffer, fotógrafa que se caracterizaba por tomar imágenes de interiores arquitectónicos sin la presencia humana. Dejó de lado la presencia humana al tomar conciencia de la intromisión que suponía entrar en esas vidas ajenas con su cámara, orientando desde entonces su mirada hacia la arquitectura y los espacios generados en los interiores de edificios todos de uso público o semipúblico, bibliotecas, museos, iglesias, archivos, palacios o bancos. Fotografías austeras que incluyen una lectura compleja y una reflexión acerca de los modelos culturales y sociales que los han originado. Al mismo tiempo, como ha dicho la propia artista busca “provocar una experiencia tridimensional en la condición bidimensional de las imágenes, de sus planos, de sus formas geométricas y de sus colores”. "Un espacio no es más que una determinada luz en un momento preciso”. Thomas Demand, es conocido por hacer las fotografías de modelos en tres dimensiones que se parecen a las imágenes reales de las habitaciones y otros espacios, suelen ser  sitios cargados de significados sociales y políticos. Él se describe así mismo no como fotógrafo, sino como un artista conceptual para quien la fotografía es una parte intrínseca de su proceso creativo. Thomas Ruff, fotografía retratos enmarcado como en una foto de pasaporte, por lo general se muestra con expresiones sin emociones, de perfil o de frente,  sobre un fondo liso. Trabajaba formatos de hasta 210cm × 165 cm. Combina espejos para producir imágenes compuestas. Realizó una serie de fotografías alteradas digitalmente de la arquitectura modernista de Mies van der Rohe. Andreas Gurski, fotógrafo conocido por sus fotografías enormes de arquitectura y paisaje en color, a menudo empleando un punto de vista elevado. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea. El espacio lo ve de una manera abstracta. Quizás para intentar entender no solo que estamos viviendo en cierto edificio o en un determinado lugar, sino para darnos cuenta de que estamos viviendo en un planeta que está viajando a una velocidad enorme por del universo. Representa con frecuencia lugares de intercambio humano vinculados a la sociedad tardo-capitalista, espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, plantas industriales, oficinas. Su obra se ha puesto en relación con el discurso de la posmodernidad; realiza un agudo análisis del comportamiento social estandarizado, producto de un mundo transformado por la alta tecnología y la globalización. Es frecuente que utilice la serialización. Stephen Shore, es un fotógrafo estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. Fue pionero en el uso de la fotografía en color. Influenciado por el libro American Photographs de Walker Evans. Joel Sternfeld, conocido por su gran formato documental de imágenes de la Estados Unidos y establece el color a la fotografía como medio artístico. El color es un elemento importante en sus fotografías. La sensación es que “pasó por ahí”, como un transeúnte  cualquiera, malezas crecidas en las vías abandonadas del ferrocarril, una casa que se incendia: fuego naranja en consonancia con calabazas desparramadas, plantas secas sobresaliendo del cúmulo de nieve. Una zona de la ciudad, una parte del paisaje que parece de viaje donde los ojos se sitúan en una escala lejana para elevarse y  hacer sentir pequeña la existencia. Pequeña pero no sombría, aunque en los distintos momentos pareciera explorar la diferencia entre la melancolía y la tristeza. Abelardo Morell, conocido en la comunidad fotográfica por la creación de imágenes utilizando la Cámara Oscura en varios lugares alrededor del mundo . Con el paso del tiempo llevo este proyecto a muchos lugares del mundo. Una de las satisfacciones que obtuve haciendo éstas imágenes me llegó al ver el extraño y a la vez natural matrimonio entre el exterior y el interior. Vera Lutter, la obra más destacada es la utilización de una cámara oscura del tamaño de una habitación para capturar imágenes de gran tamaño en blanco y negro. La temática de sus imágenes es muy variable entre los centros urbanos, paisajes industriales, fábricas abandonadas y los lugares de tránsito, tales como astilleros, aeropuertos y estaciones de tren. El artista también trabaja con varias formas de medios digitales, incluyendo la instalación de proyección de imágenes, películas y grabaciones de sonido. Se centra en la luz y su capacidad para crear nociones de tiempo y el movimiento dentro de una imagen tangible. HIroshi Sugimoto, sus fotografías en blanco y negro combinan el riguroso tratamiento conceptual con un dominio de la técnica fotográfica. Su vida profesional transcurre entre Nueva York y Tokyo. Entre sus principales influencias artísticas se encuentran el Surrealismo, el Dadaísmo y en especial una conexión con la obra y la filosofía de Marcel Duchamp. En su serie “Portraits” (1999) selecciona cuadros barrocos y esculturas de museos de cera y las reinterpreta mediante un elaborado proceso de iluminación que reproduce las condiciones lumínicas de la época en que fueron realizados. Encuentra en la cámara un vehículo para captar al “sujeto” en su esencia, con independencia de su origen (material o natural). Estudia cuidadosamente los efectos de la luz para plasmar en el instante preciso la emoción concreta. Suele utilizar diafragmas cerrados con tiempos de exposición largos.