Breve reseña de la 4° teórica de Gabriel Valansi

El otro

El retrato, la mirada, intensionalidad, identificar a la persona física, su personalidad, una imágen que nos cuenta algo, somos como fuimos mirados..."

Nadar, si de algo presumían sus retratos era de carecer de retoques y elementos supérfluos (en contraposición a la corriente pictorialista). Así sus retratados aparecían delante de un fondo neutro, centrando la atención del espectador en los gestos del sujeto representado. Lo importante era jugar con la luz y adentrarse en la psicología del personaje. Su mente pionera le llevó a ingeniar lo que denominó “foto-interviú”, consistente en tomar 21 fotografías al entrevistado (concretamente al científico Eugène Chevreul) mientras respondía a sus preguntas, consiguiendo con ello un despliegue de gestos que de algún modo impregnaban la personalidad del personaje. La teoría fotográfica se aprende en una hora, las primeras nociones de práctica en un día. Lo que no se aprende es la inteligencia moral de lo que se va a fotografiar.

Juia Margaret Cameron, los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar. Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que le da el carácter poético a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones. Sus fotografías tienen algo de religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael. Despreciaba la técnica, y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas o arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas el formato de las placas húmedas utilizadas por ella (20x25 y 30x40 cm) y estaban descuidadas, con las placas manchadas o arañadas.

Lewis Caroll, y El Pais de las Maravillas”

Edward Weston, dotado de un gran sentido de la composición, los objetos de Weston, ya sean conchas, pimientos o un excusado, incluso algunos de sus desnudos, responden a su estado de ánimo, y se llenan de opulencia y vigorosidad al acercarse a ellos. Escudriña sus formas.
Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición. Muy al contrario se reafirman en su volumen, en sus recovecos más ocultos, en la materia de la que están hechos. La textura pasa a ser otro personaje de la foto. Pero va mas allá.
Sugieren otra cosa. Un pimiento pasa a ser un músculo retorcido. Una alcachofa una celosía. Una hoja de col es una catarata de agua congelada. Un cuerpo una escultura de mármol. Es un acercamiento directo, realista lleno de intuición y pureza, que desborda sensualidad, incluso, lujuria.

Ródchenko, se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual. En el campo de la fotografía Ródchenko fue también célebre. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición, dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografías solían ser o planos cenitales o planos nadir, planos opuestos totalmente al Pictorialismo y que impactaban al espectador, causándole dificultades en reconocer el objeto fotografiado. Fue así como Ródchenko se propuso liberar a la fotografía de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la época, lo que le convirtió en uno de los más importantes pioneros del constructivismo fotográfico. "Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación completa del objeto".

Man Ray, hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

August Sander, el trabajo de Sander incluyen fotografías de paisajes, naturaleza, arquitectura, y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por sus retratos, como lo demuestra la serie Hombres del siglo XX. En esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones: Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas, la ciudad y el pasado, (los sin hogar, veteranos de guerra..).

Franz e Illa Becher, sus fotos sobre arquitectura como retratos.

Bruce Davidson, sus fotografías tratan sobre los diferentes grupos sociales y algunos trabajos, como el referido a Harlema.

Yousuf Karsh, a fotografiado muchos personajes famosos del s. XX..

Richard Avedon, el fotógrafo neoyorquino explica: “El fondo blanco aísla al sujeto de sí mismo y te permite explorar la geografía de su cara; el continente inexplorado en el rostro humano.” Esta particularidad formal brinda un sello característico a las fotografías de Avedon. “Él intensificaba la presencia eliminando lo que le rodea. Los retratos son contra un fondo blanco de modo que la persona -la personalidad- abarcara todo. ¿Significa que el sujeto está solo en el mundo? Sí y no. Solitario en su mundo, pero totalmente presente en el nuestro.” ,  “El espacio blanco y neutro es particularmente trascendente, precisamente porque elimina las trivialidades del día a día y subraya lo eterno más que lo temporal. Es una manera de transformar la realidad.” Más de un fotógrafo ha caído en la trampa de creer que es muy sencillo el uso de un fondo neutro, con resultados decepcionantes. Esto se debe en parte a que el fondo blanco era solo un ingrediente en la mezcla Avedon.

Nan Goldin, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80. fotógrafa empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash. como «fotógrafa documentalista». Desde los años setenta, Nan Goldin comenzó a registrar con su cámara la trepidante cotidianidad que compartía con su grupo de amigos: alcohol, drogas y formas muy naturales de la desnudez y la dependencia.

Diane Arbus, en los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer al público mayoritario. Continúa trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges.

Larry Clark, que comenzó trabajando con fotografías en blanco y negro, como fotógrafo documentalista y retratista donde plasmó la actividad de los jóvenes mediante imágenes violentas, sórdidas y con una carga sexual ineludible, para, a los 50 años pasarse al cine con una temática similar. Soy muy sensible. Siempre he sentido que mi obra procedía del gran dolor y de la ira de aquel periodo de mi vida, de la adolescencia. Y de la vergüenza. No de la culpabilidad, sino de la vergüenza, de la ira y del dolor.

Cindy Sherman, al girar la cámara hacia sí misma.  A pesar de que la mayoría de sus fotografías son imágenes de ella , sin embargo , estas fotografías no son autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras , Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte .

Andres Serrano, la obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.

Iroshi Sugimoto, el artista japonés fotografía figuras de cera en su serie Dioramas. A diferencia de las primeras representaciones que realizó de dioramas expuestos en museos de historia natural y de cuadros de personajes famosos exhibidos en museos de cera, las últimas imágenes están realizadas a escala natural, son retratos en blanco y negro de personajes históricos, tales como Enrique VIII, Isabel I, o Voltaire, fotografiados con una dramática iluminación ante un fondo negro. Utilizando una escala totalmente nueva con respecto a su obra, Sugimoto aisló las efigies de cera de las escenas representadas en el museo de cera Madame Tussaud de Londres, eligió un plano que mostraba tres cuartos de la figura y las iluminó con el fin de crear retratos inquietantes que evocan la obra de Rembrandt. Sus representaciones pictóricas están repletas de detalles y rememoran las distintas fuentes pictóricas, tales como Hans Holbein, Anthony van Dyck, y Jacques Louis David, de las cuales se extrajeron originariamente las figuras de cera. Sugimoto hace resurgir un diálogo ya existente desde la invención de la fotografía: la relación entre la pintura y la técnica de la reproducción mecánica.

Rineke Dijkstra, su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen. Dijkstra es, ante todo una retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.

Loretta Lux, es una fotógrafa (cuyo origen artístico era la pintura) alemana, nacida en 1969 en Dresde (antigua Alemania Oriental) y que vive y trabaja actualmente en Mónaco. Es conocida por sus retratos surrealistas de niños. Influenciada por la fotografía victoriana y el manierismo, logra crear escenarios limpios y puros, llenos de luz y con colores surrealistas, logrando así, a través de todos los elementos que la componen, una fotografía siniestra en donde se simulan niños inocentes y  sin un halo angelical. La desproporción en el cuerpo, el paisaje y la mirada perdida provoca una especie de sobresalto y nos invita a dejar nuestra atención en la fotografía, como si quisiéramos descifrar la realidad dentro de la imagen. Para lograr sus composiciones combina fotografía, pintura y manipulación digital, empleando de 2 a 3 meses en cada fotografía.

Manuel Esclusa, su trabajo fotográfico se ha dedicado en gran medida a la fotografía de modas aunque desde 1979 ha estado investigando en las condiciones de luz nocturna, la ciudad en la noche y aspectos en niveles de escasa iluminación.

Nancy Burson, conocida por su trabajo pionero en transformar las tecnologías que mejoran la edad del rostro humano y todavía permiten a los funcionarios encargados de hacer cumplir la ley para localizar a menores desaparecidos y adultos. Su máquina raza humana , que permite a las personas ven a sí mismos como una raza diferente, se utiliza en todo el mundo como una herramienta de la diversidad educativa que ofrece a los espectadores con la profunda experiencia visual de ser otra raza.

David Hockney, Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX.